viernes, 22 de octubre de 2010
martes, 6 de julio de 2010
Estudiando Strobit
Comenzando a estudiar el Strobit. Espero poco a poco ir ampliando material de iluminación, de momento con lo mínimo, se consiguen algunas tomas así.
miércoles, 16 de junio de 2010
Precious
Después de algunas semanas en las que no he escrito nada nuevo en el blog, me he decidido a recomendar y comentar la última película que he visto.
Cruda y real, "Precious" nos introduce en una difícil vivienda de Harlem, en la que somos testigos de la complicada vida de su protagonista, una jovencísima de 16 años de color y obesa que convive con una madre violenta y sedentaria. Lejos de acudir a un recurso fácil de este tipo de dramas, como podría ser una excesiva proyección de un sentimiento de compasión hacia el personaje principal, la película llega a tomar en ocasiones tintes documentales, que enfatiza la crudeza de los hechos, a la vez que se combina con una buena fotografía, resultando así una mezcla del más puro documentalismo con creativos encuadres que nos recuerdan que estamos ante una película.
No soy partidaria de desvelar detalles de un film, quizás porque es algo que no soporto que hagan conmigo, creo que se pierde la magia de lo exclusivo, de lo inmediato y sorprendente (si sucede, claro), así que me limito sin más a recomendarla para los que no la han visto.
Sólo destacar que la interpretación en general del reparto es más que brillante y la gran responsable de la calidad de este film. Y para los hispanohablantes, que la vean en versión original subtitulada, porque el doblaje de la protagonista pierde muchísimo en la versión española.
lunes, 10 de mayo de 2010
Curso de rodaje de cine digital
Hacía casi un año que no salía de mi "caverna" llamada Fuerteventura para ampliar conocimientos con algún cursito, y ya iba siendo hora.
Me encuentro en Gran Canaria desde el pasado Lunes 3 de Mayo motivada esta vez por el lenguaje temporal, el cine, ya que el pasado año el viaje fue promovido por su colega el lenguaje estático, la fotografía. El curso es bastante básico, pero como siempre, me gusta comenzar la casa por los cimientos, y lo cierto es que como introducción al lenguaje fílmico está más que bien, pues el programa consta de clases teóricas (desde los planos, hasta la conformación de los equipos para la realización de un producto cinematográfico, pasando por la realización del guión literario, técnico, etc.) y lo que es más interesante, de el rodaje real de un cortometraje que hemos de elaborar los propios alumnos del curso desde el propio guión.
Lo más aprovechable de esta experiencia bajo mi punto de vista, es observar cómo se organiza un rodaje, con la elaboración del guión técnico, las hojas de desglose de las necesidades, la hoja técnica de cámara con la entrada y salida de claqueta de cada plano, los equipos que conforman la realización de un rodaje, y todo lo que hay que tener en cuenta a la hora de abordar y llevar a cabo una pieza de este tipo.
Lo que sí es cierto, es que una vez que se adquieren unos conocimientos básicos del lenguaje fílmico, ya no se vuelven a ver las películas como antes. Ahora cada película que veo la desgrano en planos (si es una panorámica, un travelling, qué ángulo de visión es, las transiciones, las duraciones de cada plano o secuencia, pues todo tiene una intención).
Sabiendo las actividades que cada equipo ocupa en un rodaje, dirección de fotografía y montaje es lo más atractivo para mi gusto, ellos deciden el color, el encuadre, la iluminación y el montaje final de la película (por supuesto bajo la tutela del director), aunque también debe de ser porque me considero muy visual a la hora de crear, y más viniendo de una carrera como es Bellas Artes, aún sabiendo que sin un buen guión no importa lo trabajada que esté la obra estéticamente.
Sobre todo he derrumbado algunos convencionalismos, como que el verdadero "director" de una película es el productor ejecutivo, que limitará muchas veces al director por el presupuesto, siendo el productor ejecutivo el que decida incluso si se cancela un rodaje. Realmente el llamado director de una película se centra básicamente en que la interpretación de los actores sea la adecuada, y por supuesto se encargará de la búsqueda de localizaciones, elaboración de planos, etc, pero siempre acompañado del director de fotografía, que le sugerirá los encuadres e incluso limitará algunos planos que en un principio el director quería rodar pero que no es posible debido a cualquier asunto técnico relacionado con la fotografía, la cámara, la iluminación, etc.
Hoy hemos realizado el guión técnico, que me parece muy entretenido, pues ahí se deciden a partir del guión literario cómo serán los planos que conformaran cada secuencia (dónde irá la cámara, en qué ángulo, que tipo de plano, etc).
En definitiva, ahora entiendo mejor por qué la realización de una película (o cortometraje) es labor de todo un equipo, y muy dificilmente de una sola persona (si se quiere hacer bien, claro).
El Jueves comenzaremos a rodar, así que ya comentaré que tal la experiencia.
lunes, 26 de abril de 2010
Nueva 50mm
Tras un tiempo que no dedico a este blog la atención que se merece (por falta de tiempo), hoy me apetece comentar una nueva lente que he adquirido y que me tiene bastante satisfecha con los resultados. Se trata de una focal fija de 50 mm (que se traduce a 75 mm en el sensor de mi cámara) con una luminosidad de 1.8 (considerable para el objetivo zoom que estaba utilizando anteriormente de 4.5).
Ya se sabe que si se tiene una buena máquina (en mi caso la Nikon D200), pero no disponemos de una buena lente, desaprovechamos la calidad que nos ofrece el sensor, y viceversa, pero la diferencia en cuanto a nitidez y luminosidad no la esperaba tan abismal entre una lente fija y una zoom. Desde que llegó a mis manos me dispuse a probarla llevándome a mi hermano Juanfra a Playa Blanca, aprovechando las luces del atardecer y sin parar de ampliar las imágenes en el LCD de la cámara sorprendiéndome con el nivel de detalles que registraba.
Mañana me llegará (por fin) el equipo Imac para empezar a trabajar con un poco más de calidad y recursos, y echaré mano a las fotografías que he ido realizando con esta lente. Ya mostraré algunas por el blog, hasta en entonces a seguir probando!!
jueves, 11 de febrero de 2010
Un carácter estelar
Respecto a una entrada anterior que publiqué hace unos días he encontrado una imagen curiosa en un portal de noticias. La entrada a la que me refiero es una en la que hablaba sobre un proyecto sobre la muerte, memoria y desintegración en la que exponía una imagen de un boceto audiovisual que había realizado, en la que a través de la grabación de una grabación de forma continua el sonido y la imagen registrado en el archivo original se iba degradando y distorsionando hasta conseguir un "carácter estelar".
Pues hoy encuentro una noticia en la que hablan de cómo el telescopio espacial Hubble ha captado luces polares en el planeta Saturno, y se preguntarán qué tiene que ver esa noticia con mi post. Sencillamente la imagen captada por el telescopio me recordó rapidamente a las imágenes que obtuve con el experimento. Ese color azulado y esa banda negra...y recordé al instante la palabra que había utilizado en aquel post... "un carácter estelar". La primera imagen corresponde a la imagen captada por el telescopio, la segunda corresponde a la imgen que publiqué hace unos dias. Curioso!
Pues hoy encuentro una noticia en la que hablan de cómo el telescopio espacial Hubble ha captado luces polares en el planeta Saturno, y se preguntarán qué tiene que ver esa noticia con mi post. Sencillamente la imagen captada por el telescopio me recordó rapidamente a las imágenes que obtuve con el experimento. Ese color azulado y esa banda negra...y recordé al instante la palabra que había utilizado en aquel post... "un carácter estelar". La primera imagen corresponde a la imagen captada por el telescopio, la segunda corresponde a la imgen que publiqué hace unos dias. Curioso!
viernes, 5 de febrero de 2010
Nice day
Aprovechando la bonita luz de la tarde del Viernes nos vamos a Playa Blanca a probar unos nuevos aparatitos para sincronizar la cámara y los flashes. Aprovechamos hasta los últimos rayos de sol y la iluminación se portó estupendamente. Aquí un ejemplo de una toma que me hizo Antonio y otra que le hice a Jose ya de noche probando en mi cámara su lente de 50 mm.
A ver si hacemos la próxima "excursión" en breve!
A ver si hacemos la próxima "excursión" en breve!
Psicosis (Psycho), make the remake
El Aula de Cine que se está organizando en el centro bibliotecario insular, ofrece una nueva programación a la que han llamado Make the Remake, en la que cada Jueves y hasta el 4 de Marzo, se proyectarán películas originales junto con sus remakes.
La primera proyección comenzó anoche con la película Psicosis de Alfred Hitchcock y el remake con mismo título dirigido por Gus Van Sant.
La versión clásica del film de Hitchcock ya la había visto muchas veces, además de tenerla entre mi videoteca, pero la versión realizada en 1998 por Gus Van Sant no había tenido oportunidad de verla. La cosa es que esta versión "moderna" es una copia literal plano a plano de de la primera, con decorados casi idénticos y misma banda sonora. La versión de Gus Van Sant es buena si no fuera porque copia descaradamente a la original, en la que da la sensación de estar viendo la misma película sólo que en color y con actores diferentes. En algunos foros se critica de manera directa el hecho de que Gus Van Sant no haya realizado una versión (es decir, una misma historia contada desde otra perspectiva), sino una copia literal en todos los sentidos de la mítica película del maestro Hitchcock.
Yo me quedo con la primera versión, que nunca pasará de moda por su original planteamiento visual y la brillantez de Anthony Perkins reencarnando al psicótico Norman Bates.
La primera proyección comenzó anoche con la película Psicosis de Alfred Hitchcock y el remake con mismo título dirigido por Gus Van Sant.
La versión clásica del film de Hitchcock ya la había visto muchas veces, además de tenerla entre mi videoteca, pero la versión realizada en 1998 por Gus Van Sant no había tenido oportunidad de verla. La cosa es que esta versión "moderna" es una copia literal plano a plano de de la primera, con decorados casi idénticos y misma banda sonora. La versión de Gus Van Sant es buena si no fuera porque copia descaradamente a la original, en la que da la sensación de estar viendo la misma película sólo que en color y con actores diferentes. En algunos foros se critica de manera directa el hecho de que Gus Van Sant no haya realizado una versión (es decir, una misma historia contada desde otra perspectiva), sino una copia literal en todos los sentidos de la mítica película del maestro Hitchcock.
Yo me quedo con la primera versión, que nunca pasará de moda por su original planteamiento visual y la brillantez de Anthony Perkins reencarnando al psicótico Norman Bates.
lunes, 1 de febrero de 2010
Catherine Breillat
La preocupación central del trabajo de Catherine Breillat es la sexualidad de la mujer, esto no conlleva en sí mismo mayor mérito, ¿Cuántos directores de sexo masculino, por contraste están de alguna forma preocupados por el tema de lo femenino? Por supuesto la preocupación acerca de la sexualidad de la mujer en la mayoría de las producciones cinematográficas están marcadas más por el exhibicionismo que por la introspección, reafirmando más que inquietando. Incluso en un Film como el de Brian de Palma Femme Fatale (2002), cualquier esfuerzo por analizar la imagen de la figura de la mujer a través de una lectura feminista se ve atenuada al exponer el cuerpo femenino prolongadamente. En este caso, “La Femme Fatale” más que ser la causa de la ruina del héroe “noir” es la fuente de placer visual, aunque la filmografía de Breillat pisa la fina línea entre el exhibicionismo y la instropección, ella admite que tratan, después de todo, el tema sexual, aunque lo hacen bajo la guía de una radical diferencia en la concepción. En palabras de Breillat “yo tomo la sexualidad como sujeto y no como objeto”.
Resto del texto en: http://lafuga.cl/sobre-el-cine-de-catherine-breillat/285
Sobre guardar silencio y hablar
Extractos del libro "Ni lobo ni perro. Por senderos olvidados con un anciano indio" de kent Nerburn.
Nosotros los indios sabemos del silencio. No le tenemos miedo. De hecho, para nosotros es más poderoso que las palabras.
Nuestros ancianos fueron educados en las maneras del silencio, y ellos nos transmitieron ese conocimiento a nosotros. Observa, escucha, y luego actúa, nos decían. Ésa es la manera de vivir.
Observa a los animales para ver cómo cuidan a sus crías. Observa a los ancianos para ver cómo se comportan. Observa al hombre blanco para ver qué quiere. Siempre observa primero, con corazón y mente quietos, y entonces aprenderás. Cuando hayas observado lo suficiente, entonces podrás actuar.
Con ustedes es lo contrario. Ustedes aprenden hablando. Premian a los niños que hablan más en la escuela. En sus fiestas todos tratan de hablar. En el trabajo siempre están teniendo reuniones en las que todos interrupen a todos, y todos hablan cinco, diez o cien veces. Y le llaman "resolver un problema". Cuando están en una habitación y hay silencio, se ponen nerviosos. Tienen que llenar el espacio con sonidos. Así que hablan impulsivamente, incluso antes de saber lo que van a decir.
A la gente blanca le gusta discutir. Ni siquiera permiten que el otro termine una frase. Siempre interrumpen. Para los indios esto es muy irrespetuoso e incluso estúpido. Si tú comienzas a hablar, yo no voy a interrumpirte. Te escucharé. Quizás deje de escucharte si no me gusta lo que estás diciendo. Pero no voy a interrumpirte. Cuando termines, tomaré mi decisión sobre lo que dijiste, pero no te diré si no estoy de acuerdo, a menos que sea importante. De lo contrario, simplemente me quedaré callado y me alejaré. Me has dicho lo que necesito saber. No hay nada más que decir. Pero eso no es suficiente para la mayoría de la gente blanca.
La gente debería pensar en sus palabras como si fuesen semillas. Deberían plnatarlas, y luego permitirles crecer en silencio. Nuestros ancianos nos enseñaron que la tierra siempre nos está hablando, pero que debemos guardar silencio para escucharla.
Existen muchas voces además de las nuestras. Muchas voces.
Nosotros los indios sabemos del silencio. No le tenemos miedo. De hecho, para nosotros es más poderoso que las palabras.
Nuestros ancianos fueron educados en las maneras del silencio, y ellos nos transmitieron ese conocimiento a nosotros. Observa, escucha, y luego actúa, nos decían. Ésa es la manera de vivir.
Observa a los animales para ver cómo cuidan a sus crías. Observa a los ancianos para ver cómo se comportan. Observa al hombre blanco para ver qué quiere. Siempre observa primero, con corazón y mente quietos, y entonces aprenderás. Cuando hayas observado lo suficiente, entonces podrás actuar.
Con ustedes es lo contrario. Ustedes aprenden hablando. Premian a los niños que hablan más en la escuela. En sus fiestas todos tratan de hablar. En el trabajo siempre están teniendo reuniones en las que todos interrupen a todos, y todos hablan cinco, diez o cien veces. Y le llaman "resolver un problema". Cuando están en una habitación y hay silencio, se ponen nerviosos. Tienen que llenar el espacio con sonidos. Así que hablan impulsivamente, incluso antes de saber lo que van a decir.
A la gente blanca le gusta discutir. Ni siquiera permiten que el otro termine una frase. Siempre interrumpen. Para los indios esto es muy irrespetuoso e incluso estúpido. Si tú comienzas a hablar, yo no voy a interrumpirte. Te escucharé. Quizás deje de escucharte si no me gusta lo que estás diciendo. Pero no voy a interrumpirte. Cuando termines, tomaré mi decisión sobre lo que dijiste, pero no te diré si no estoy de acuerdo, a menos que sea importante. De lo contrario, simplemente me quedaré callado y me alejaré. Me has dicho lo que necesito saber. No hay nada más que decir. Pero eso no es suficiente para la mayoría de la gente blanca.
La gente debería pensar en sus palabras como si fuesen semillas. Deberían plnatarlas, y luego permitirles crecer en silencio. Nuestros ancianos nos enseñaron que la tierra siempre nos está hablando, pero que debemos guardar silencio para escucharla.
Existen muchas voces además de las nuestras. Muchas voces.
viernes, 29 de enero de 2010
miércoles, 27 de enero de 2010
Sutilezas audiovisuales
Es bien sabido que las cámaras réflex actuales están entrando fuerte con esto del vídeo HD.
La posibilidad de poder contar con una gran calidad de imagen a un precio muy asequible (menos de 2000 euros), la flexibilidad que ofrecen debido a la posibilidad de intercambiar lentes, consiguiendo así fuertes contrastes de profundidad de campo (algo que me entusiasma) y sumando la portabilidad de estos aparatos, hacen de las réflex una buena elección para todos aquellos que a parte de querer una cámara fotográfica profesional, quieran una cámara de vídeo asequible de una calidad más que decente. (Desgraciadamente mi D200 a pesar de ser una excelente cámara fotográfica no cuenta con grabación de vídeo, cosa que si tiene su hermana mayor la D300).
He encontrado un blog sobre grabación con cámaras réflex, en el que sobre todo se habla de las Canon 5D, pero parece que poco a poco van ampliando hacia otras marcas de réflex que graban vídeo HD.
Los usuarios cuelgan vídeos en la página como demostración de la calidad de grabación de estas cámaras, y hay bastantes piezas interesantes, en las que se juega, evidentemente debido a la posibilidad que brindan estos equipos de intercambiar objetivos, con la profundidad de campo.
Por aquí dejo dos que me han gustado mucho y el video que mayor votación tiene en la web. El primero, Kolkata portraits, por los elementos visuales con los que se juega y la iluminación, y el segundo, Dancing on chaos, por la sencillez pero intensa belleza que contienen sus imágenes.
El tercero es el vídeo más votado por los usuarios de la web, igualmente recomendado.
http://vimeo.com/9002132
http://vimeo.com/4282520
http://vimeo.com/7058755
La posibilidad de poder contar con una gran calidad de imagen a un precio muy asequible (menos de 2000 euros), la flexibilidad que ofrecen debido a la posibilidad de intercambiar lentes, consiguiendo así fuertes contrastes de profundidad de campo (algo que me entusiasma) y sumando la portabilidad de estos aparatos, hacen de las réflex una buena elección para todos aquellos que a parte de querer una cámara fotográfica profesional, quieran una cámara de vídeo asequible de una calidad más que decente. (Desgraciadamente mi D200 a pesar de ser una excelente cámara fotográfica no cuenta con grabación de vídeo, cosa que si tiene su hermana mayor la D300).
He encontrado un blog sobre grabación con cámaras réflex, en el que sobre todo se habla de las Canon 5D, pero parece que poco a poco van ampliando hacia otras marcas de réflex que graban vídeo HD.
Los usuarios cuelgan vídeos en la página como demostración de la calidad de grabación de estas cámaras, y hay bastantes piezas interesantes, en las que se juega, evidentemente debido a la posibilidad que brindan estos equipos de intercambiar objetivos, con la profundidad de campo.
Por aquí dejo dos que me han gustado mucho y el video que mayor votación tiene en la web. El primero, Kolkata portraits, por los elementos visuales con los que se juega y la iluminación, y el segundo, Dancing on chaos, por la sencillez pero intensa belleza que contienen sus imágenes.
El tercero es el vídeo más votado por los usuarios de la web, igualmente recomendado.
http://vimeo.com/9002132
http://vimeo.com/4282520
http://vimeo.com/7058755
Realizadoras
Interesante programa el que emitirá Metrópolis esta semana. Muy acorde con el que es uno de los objetivos de este blog, el programa nos presentará a mujeres realizadoras españolas, escasas en una industria cinematográfica y audiovisual todavía jerarquizada por nuestros colegas masculinos. Yo no me lo pierdo.
Y aquí un resumen de las realizadoras de las que se va a hablar:
En nuestro país, las mujeres directoras de cine o publicidad siguen teniendo problemas para llevar a cabo sus proyectos, en una industria tan jerarquizada como la cinematográfica, en la que impera una estructura masculina en la que resulta difícil introducirse, sobre todo en los puestos de realización.
Esta semana Metrópolis descubre a la joven generación de chicas realizadoras españolas, que están revolucionando el mundo del clip musical con sus valientes trabajos audiovisuales.
Empezaremos con el equipo de trabajo formado por CELIA GALAN Y ANA LORENZ que está dando un nuevo tono a la imagen musical. Sorprendieron con el clip "Fugaz" para Pinker Tones. Desde su productora Aliolifilms están creando piezas audiovisuales rompedoras, críticas y divertidas. Por su parte, ALEX REYNOLDS, licenciada en Bellas Artes por el Central Saint Martins College of Art and Design de Londres, además de desarrollar su trabajo artístico, es comisaria independiente de vídeo, y organiza actividades culturales como el ciclo de charlas del colectivo Por la Vena. La pieza que veremos esta semana: "Auua", ilustra uno de los temas de la banda de chicas barcelonesa: Tu Madre, de la que Alex forma parte, y recoge la tradición contestataria de la video-acción. Dicen que en las producciones de GINESTA GUINDAL notas de "caviar, rock&roll y dandysmo" se entremezclan. Sus producciones rebosan imaginación y malditismo. Degustaremos en la emisión una de sus propuestas para Maike Ludenbach ("16-2-2007") y otra para Coti ("Nunca tendré").CRISTINA GOMEZ lleva años realizando cortometrajes y colaborado en un sinfín de proyectos cinematográficos. Para Sr Chinarro elaboró su primer clip: "Los Ángeles" del disco Ronroneando (2008) producido por Les Nouveaux Auteurs & Nanouk Films. TANIA VERDUZCO es una joven realizadora mexicana afincada en Barcelona. Viene de trabajar con algunos de los mejores realizadores de publicidad del mundo y en sus piezas desborda profesionalidad e imaginación. Es el caso de sus videos musicales para el grupo Cat People. LYONA ALYONA en sus trabajos como diseñadora gráfica, diretora y creativa, contagia con originalidad todas las producciones que toca, como este magnífico video para Love of lesbian: "Te hiero mucho" . Para finalizar, TUIXEN BENET está sorprendiendo por la frescura y su intuitiva inmediatez en vídeos como el que realizó para Christina Rosenvinge titulado "Anoche" para su último disco: Labio superior, rodado en HD en el Jardín Botánico de Madrid. En definitiva: ¡CHICAS REALIZADORAS AL PODER!
Fuente: http://www.rtve.es/television/20100118/realizadoras/312765.shtml
martes, 26 de enero de 2010
Artículo 5, publicado en el periódico "Crónica de Fuerteventura"
Parece que la publicación del periódico Crónica de Fuerteventura en el que estaba publicando mi columna Bajo el adoquín está el jardín ha "sufrido" un pequeño parón debido a las fechas navideñas y ya se encuentra en marcha. Hoy he enviado mi próximo artículo titulado La fotografía a través de Serge Tisseron. Aquí dejo el artículo de opinión.
Los textos sobre fotografía como técnica o como medio de expresión no son ninguna rareza bibliográfica, sin embargo, los textos sobre la escencia misma de la fotografía, de lo que significa el acto fotográfico, no son tan abundantes . Por ello, me atrevo a dedicar unas líneas a un terreno tan pantanoso y subjetivo como es el de la fotografia entendida como acto e instrumento para enfrentarnos con el mundo, a través de una reflexión personal y después de conocer algunos escritos sobre el acto fotográfico de Serge Tisseron, psiquiatra y psicoanalista francés.
Empezaré por la idea de la transformación o subjetividad de la imagen que comenta Tisseron, es decir, el producir una imagen que una vez representada se convierte en otra a través de “la mirada del otro”. Es interesante esta idea de que sea el espectador de una imagen el que la culmine, el que la dote de su significado último.
Creo importante en el proceso creativo tener en cuenta y jugar con esa “mirada del otro”, es decir, que lo que representemos en una imagen o en una serie de imágenes relacionadas entre sí, se conviertan en las historias de otros. Es esa idea de generar imágenes, con tu propia percepción del mundo y lo que te rodea, para luego “abandonarlas” para que otros las hagan suyas, para que se apropien de ellas y las interpreten según sus vivencias particulares. Es como bien dice Tisseron, una forma que tiene el espectador de asegurarse su propia existencia.
El siguiente aspecto respecto a las ideas de Tisseron, es el que expone cuando comenta que “la fotografía no debe intentar la integración del mundo sino que, por el contrario, debe constatar su desintegración”. Esa concepción del acto fotográfico como una acción para recordarnos la desintegración de todo lo que nos rodea, de su inevitable desaparición, es la esencia misma de la fotografía. Como comenta Roland Barthes en su libro La cámara lúcida, dejaremos realmente de existir cuando ya no quede una sola imagen en el mundo de nosotros.
La relación que establece el autor entre el placer de la contemplación fotográfica con esa fantasía que nos abarca del deseo de haber estado allí, es una relación bastante interesante debido a su alusión de traspasar el tiempo, viajar en él. La fotografía nos permite (y por ejemplo, propongo la fotografía familiar) transportarnos aunque sea visualmente, a los tiempos de nuestros abuelos, ver el entorno en el que vivían, cómo ha cambiado la ciudad o el pueblo en el que ahora vivimos nosotros, y esa transportación no sería posible sin la fotografía, ya que un edificio o estructura antigua podría acercarnos de una forma melancólica a “lo que podría haber sido aquello”, pero no nos ofrece una visualización de cómo eran sus habitantes, o con qué se relacionaban, con qué herramientas contaban para el día a día. Si un edificio antiguo nos ofrece parte de esa información, la fotografía nos ofrece más que eso, nos ofrece un sentimiento del tiempo con respecto a la casa, los objetos y las personas que una vez estuvieron allí.
Creo que los conceptos de huella y rastro remiten muy bien a lo que tiene de “personal” la fotografía. La fotografía documental podría ser un ejemplo de huella fotográfica, pues registra un hecho, una acción, un testimonio, un fragmento de la realidad que todos podemos ver, sin embargo, el rastro es lo que podría denominarse el lado abstracto de la fotografía, es decir, son elementos externos a lo puramente formal. Serían aquellas fotografías que nos producen ese Puctum del que Roland Barthes hablaba, “ese algo” de la imagen que nos produce un pellizco en el estómago y que puede ser generado a través de una atmósfera, un elemento extraño o siniestro a la manera freudiana, una determinada luz, una pose, un instante mágico o sorprendente, un encuadre, una composición, una sombra.
Un ejemplo de este lado abstracto de la fotografía, de este lado que me atrevería a denominar incluso como espiritual de construir fotografías, sería el ejemplo que utiliza Tisseron sobre la fotografía en la que Barthes “encuentra” a su madre, “cuando se reencuentra con ella”. Esa comunicación que Barthes mantiene con su difunta madre a través de una fotografía en la que aparece ella de niña, a una edad en la que Barthes nunca la podría haber conocido, es ese lado espiritual de la fotografía a la que me refiero, en cómo en una imagen alguien puede encontrar algo tan complejo como es la esencia misma de una persona. El Puctum de la fotografía de la madre de Barthes, es su madre misma, no su madre-cuerpo, sino su imagen, el sentimiento y el apego que tenía Barthes de su madre.
La idea del estilo fotográfico es uno de los principales alicientes de un buen fotógrafo. Lo realmente interesante no es reconocer a un fotógrafo en su fotografía, sino reconocer una fotografía de un fotógrafo, es la búsqueda y construcción de un lenguaje propio ,(¿y acaso no toda creación se basa en la creación de un lenguaje?) se registra, se capta mirando, no viendo. Debemos reconocer al fotógrafo en la imagen, ya sea mediante la luz, objetos que se repiten en la obra de ese fotógrafo, mediante la composición o los ambientes construidos, pues de alguna formacada fotografía, si se ha realizado mirando, es un autorretrato.
Otro punto que llama la atención en torno a las paradojas que comenta Tisseron, es el de la relación de fotografía y muerte, como por ejemplo el hecho de que los líquidos que se utilizan para revelar fotografía analógica hayan sido utilizados por los antiguos egipcios para el embalsabamiento de sus difuntos. Esa relación produce más que escalofríos, pues la relación que mantiene la fotografía con la muerte en este caso, es más que directa. O el juego de palabras que relacionan el revelado fotográfico con la idea de la “revelación divina”, que aunque no dejan de ser meros juegos etimológicos, creo que son fuertes impulsadores de metáforas.
Por último, reconozco mi gusto por la definición de la cámara fotográfica como una depredadora. Las mismas definiciones para hablar de la acción fotográfica se relacionan con lo agresivo, como cuando hablamos del disparador, pues la misma palabra alude al asesinato o al crimen. Esa visión de la cámara como una depredadora que devora al mundo, que extrae fragmentos de un todo, remite a la vulnerabilidad humana, pues nosotros mismos podemos ser devorados, al igual que lo hace la cámara con el mundo o la realidad, por “la mirada del otro”.
Nazaret Umpiérrez del Río
Los textos sobre fotografía como técnica o como medio de expresión no son ninguna rareza bibliográfica, sin embargo, los textos sobre la escencia misma de la fotografía, de lo que significa el acto fotográfico, no son tan abundantes . Por ello, me atrevo a dedicar unas líneas a un terreno tan pantanoso y subjetivo como es el de la fotografia entendida como acto e instrumento para enfrentarnos con el mundo, a través de una reflexión personal y después de conocer algunos escritos sobre el acto fotográfico de Serge Tisseron, psiquiatra y psicoanalista francés.
Empezaré por la idea de la transformación o subjetividad de la imagen que comenta Tisseron, es decir, el producir una imagen que una vez representada se convierte en otra a través de “la mirada del otro”. Es interesante esta idea de que sea el espectador de una imagen el que la culmine, el que la dote de su significado último.
Creo importante en el proceso creativo tener en cuenta y jugar con esa “mirada del otro”, es decir, que lo que representemos en una imagen o en una serie de imágenes relacionadas entre sí, se conviertan en las historias de otros. Es esa idea de generar imágenes, con tu propia percepción del mundo y lo que te rodea, para luego “abandonarlas” para que otros las hagan suyas, para que se apropien de ellas y las interpreten según sus vivencias particulares. Es como bien dice Tisseron, una forma que tiene el espectador de asegurarse su propia existencia.
El siguiente aspecto respecto a las ideas de Tisseron, es el que expone cuando comenta que “la fotografía no debe intentar la integración del mundo sino que, por el contrario, debe constatar su desintegración”. Esa concepción del acto fotográfico como una acción para recordarnos la desintegración de todo lo que nos rodea, de su inevitable desaparición, es la esencia misma de la fotografía. Como comenta Roland Barthes en su libro La cámara lúcida, dejaremos realmente de existir cuando ya no quede una sola imagen en el mundo de nosotros.
La relación que establece el autor entre el placer de la contemplación fotográfica con esa fantasía que nos abarca del deseo de haber estado allí, es una relación bastante interesante debido a su alusión de traspasar el tiempo, viajar en él. La fotografía nos permite (y por ejemplo, propongo la fotografía familiar) transportarnos aunque sea visualmente, a los tiempos de nuestros abuelos, ver el entorno en el que vivían, cómo ha cambiado la ciudad o el pueblo en el que ahora vivimos nosotros, y esa transportación no sería posible sin la fotografía, ya que un edificio o estructura antigua podría acercarnos de una forma melancólica a “lo que podría haber sido aquello”, pero no nos ofrece una visualización de cómo eran sus habitantes, o con qué se relacionaban, con qué herramientas contaban para el día a día. Si un edificio antiguo nos ofrece parte de esa información, la fotografía nos ofrece más que eso, nos ofrece un sentimiento del tiempo con respecto a la casa, los objetos y las personas que una vez estuvieron allí.
Creo que los conceptos de huella y rastro remiten muy bien a lo que tiene de “personal” la fotografía. La fotografía documental podría ser un ejemplo de huella fotográfica, pues registra un hecho, una acción, un testimonio, un fragmento de la realidad que todos podemos ver, sin embargo, el rastro es lo que podría denominarse el lado abstracto de la fotografía, es decir, son elementos externos a lo puramente formal. Serían aquellas fotografías que nos producen ese Puctum del que Roland Barthes hablaba, “ese algo” de la imagen que nos produce un pellizco en el estómago y que puede ser generado a través de una atmósfera, un elemento extraño o siniestro a la manera freudiana, una determinada luz, una pose, un instante mágico o sorprendente, un encuadre, una composición, una sombra.
Un ejemplo de este lado abstracto de la fotografía, de este lado que me atrevería a denominar incluso como espiritual de construir fotografías, sería el ejemplo que utiliza Tisseron sobre la fotografía en la que Barthes “encuentra” a su madre, “cuando se reencuentra con ella”. Esa comunicación que Barthes mantiene con su difunta madre a través de una fotografía en la que aparece ella de niña, a una edad en la que Barthes nunca la podría haber conocido, es ese lado espiritual de la fotografía a la que me refiero, en cómo en una imagen alguien puede encontrar algo tan complejo como es la esencia misma de una persona. El Puctum de la fotografía de la madre de Barthes, es su madre misma, no su madre-cuerpo, sino su imagen, el sentimiento y el apego que tenía Barthes de su madre.
La idea del estilo fotográfico es uno de los principales alicientes de un buen fotógrafo. Lo realmente interesante no es reconocer a un fotógrafo en su fotografía, sino reconocer una fotografía de un fotógrafo, es la búsqueda y construcción de un lenguaje propio ,(¿y acaso no toda creación se basa en la creación de un lenguaje?) se registra, se capta mirando, no viendo. Debemos reconocer al fotógrafo en la imagen, ya sea mediante la luz, objetos que se repiten en la obra de ese fotógrafo, mediante la composición o los ambientes construidos, pues de alguna formacada fotografía, si se ha realizado mirando, es un autorretrato.
Otro punto que llama la atención en torno a las paradojas que comenta Tisseron, es el de la relación de fotografía y muerte, como por ejemplo el hecho de que los líquidos que se utilizan para revelar fotografía analógica hayan sido utilizados por los antiguos egipcios para el embalsabamiento de sus difuntos. Esa relación produce más que escalofríos, pues la relación que mantiene la fotografía con la muerte en este caso, es más que directa. O el juego de palabras que relacionan el revelado fotográfico con la idea de la “revelación divina”, que aunque no dejan de ser meros juegos etimológicos, creo que son fuertes impulsadores de metáforas.
Por último, reconozco mi gusto por la definición de la cámara fotográfica como una depredadora. Las mismas definiciones para hablar de la acción fotográfica se relacionan con lo agresivo, como cuando hablamos del disparador, pues la misma palabra alude al asesinato o al crimen. Esa visión de la cámara como una depredadora que devora al mundo, que extrae fragmentos de un todo, remite a la vulnerabilidad humana, pues nosotros mismos podemos ser devorados, al igual que lo hace la cámara con el mundo o la realidad, por “la mirada del otro”.
Nazaret Umpiérrez del Río
domingo, 24 de enero de 2010
Cine artístico
Hace unas semanas adquirí un libro de la edición Tashen que suele publicar cositas interesantes a muy buen precio, sobre todo para cuando necesitamos algún repaso de artistas y obras para encontrar inspiración.
El libro en cuestión se llama Cine artístico y recoge todas aquellas modalidades o formas de hacer cine "no convencional". Las categorías en que se dividen los capítulos del libro son: cine surrealista, postsurrealismo y épica, cine abstracto y lírico, la sinfonía urbana, cine de ensayo y cine paisajista, el temps mort, cuadros vivos y duración, cine estructuralista y conceptual, cine expandido y cine de instalación, cine de collage y metraje encontrado, autorretratos y autobiografías, Dadaísmo, parodia y camp y remakes.
En él me he encontrado muchos videoartistas que ya conocía, pero muchos otros no menos interesantes de los que no había oído hablar.
El libro me parece una rica fuente de artistas y obras, así como una estupenda guía histórica de este tipo de cine, que se escapa de toda cinematografía a la que estamos acostumbrados a entender como tal, y esto se consigue principalmente modificando y alterando los principales conceptos del cine convencional, es decir, el tiempo y la estructura narrativa.
viernes, 22 de enero de 2010
Miranda July
Interesante el trabajo de esta artista multidisciplinar:
http://www.que-leer.com/1531/miranda-july-%C2%BFpero-de-que-va-esta-chica.html
http://www.elpais.com/articulo/semana/juego/Miranda/July/elpepuculbab/20090411elpbabese_3/Tes
Tacita Dean
Hoy vengo con Tacita Dean, artista visual británica nacida en 1965 . Formada en un principio en el campo de la pintura, es mucho más conocida por sus obras audiovisuales, aunque trabaja con otros soportes que van desde la fotografía y el sonido hasta el dibujo.
Aquí dejo una descripción de lo que a grandes rasgos trata la obra de esta artista:
Las películas de Tacita Dean consisten en planos fijos; ella misma explica que las cosas, los episodios, pasan o aparecen delante del encuadre y que evita las panorámicas y los zooms. Se trata de un encuadre obsesivo (o un conjunto de pocos encuadres) que se concentra en un paisaje, un gesto, un objeto, un episodio. De ahí su violenta y extremada “lentitud” y de ahí también que los filmes de Tacita Dean se hayan calificado -aunque posean banda sonora- como puro silencio. ¿Pero qué sentido posee este arte autista? Quienes superen la primera sensación de incomodidad motivada por el carácter estático de las películas, observarán que el lenguaje de Tacita Dean es la poesía. Poesía quiere decir subjetividad, evocación, sugerencia, metáfora, intuición. Los filmes de Tacita Dean son una obra abierta a múltiples interpretaciones y sugestiones. En contraposición, la prosa posee una estructura racional, ilustrativa, narrativa, dinámica, en definitiva más cerrada. Los mecanismos para motivar el lirismo y la sugestión son múltiples; la estrategia de nuestra artista es la contemplación, la contemplación fija y estática sobre no importa qué fragmento de la vida. La imagen así descubre toda su capacidad evocadora y polivalente. La fijación del encuadre, la inmovilidad, la lentitud son, sin embargo, la condición de esta poesía, de esta capacidad metafórica. Porque no se trata tanto de captar el mundo de las apariencias, sino de una puesta en extrañeza, un situar fuera de contexto. Las imágenes de Tacita Dean son como abstractas y desconcertantes porque su inmovilidad rompe con los hábitos perceptivos y nos deja sin las pautas de lectura habituales. Se crea una distancia o un corte en el circuito de comunicación que nos obliga a repensar y remirar sin las frases ni las respuestas hechas. Las imágenes se presentan como una sorpresa, como algo que hay que descubrir, el lenguaje de la poesía.
Jaume Vidal Oliveiras
Fuente:http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/2037/Tacita_Dean
jueves, 21 de enero de 2010
Boceto para "Desaparición" 21-01-10
Hace algún tiempo publiqué en este blog una entrada sobre fotografía y la relación directa que ésta guarda con la muerte y la desintegración. Me serví como ejemplo de aquellas reflexiones con un boceto que había concebido para una de las asignaturas de proyecto en la facultad. Se trataba de un proceso de destrucción de una fotografía familiar, en la que a través de una paciente realización de un gran número de fotocopias de las anteriores fotocopias que partían de la fotografía original, iba provocando una desintegración de las formas, una despersonalización de los rostros y las identidades de aquellos parientes.
El proyecto se quedó como un bosquejo, pero de esos bosquejos a los que les tomas cariño porque de alguna forma la idea que la concibe te interesa de verdad, y porque de alguna forma ese boceto tiene una especie de fuerza atronadora para convertirse en algo más, en un proyecto mucho más complejo, extenso, ambicioso, autobiográfico e íntimo, pues como bien dice el artista Matthew Barney, "lo importante es tener la disciplina de seguir una idea hasta el final, de llevarla hasta el límite".
La cosa es que aquello se había quedado aquí, en mi estanteria, durante un año, pues en aquel entonces era mi último año de carrera y la transición y depresión postuniversitaria, que en mi caso conllevaba también la vuelta a casa, de Granada, donde había adquirido aquellas disciplinas artísticas, rodeada de compañeros y amigos de facultad con los que compartir ideas y en los que encontrar inspiraciones y aspiraciones, donde la oferta de concursos, certámenes y exposiciones te rodeaba, a volver a Fuerteventura, una isla menor de las Canarias, excluída de aquella actividad universitaria que me motivaba a proyectar, ha hecho que mi actividad creativa se haya quedado estancada.
Hace unas semanas sacudí el polvo a todos los apuntes del resultado de mis investigaciones durante la carrera, montañitas de notas, cuadernos y fotocopias que había podido recolectar en mis horas de biblioteca. Una vez releídos y reabsorvidos, decidí volver a aquel boceto de fotocopias.
Me pregunto si ha sido una necesidad o el remordimiento de escasa actividad artística, la que ha hecho que me atrajera poderosamente otra vez esta idea de la memoria, de la muerte, de la desintegración, del tiempo, de lo impreciso, de lo efímero y de lo familiar a la mente, y digo que no sé si ha sido por algún tipo de necesidad subconsciente, porque este mismo mes ha hecho un año de la muerte de un familiar cercano, que se fue en apenas 15 días después de diagnosticársele una enfermedad, y creo que es el impacto de la idea de que un dia te encuentras perfectamente y que de repente desapareces en apenas unos días, el que haya podido tener una especie de poder que activara de alguna forma mi sensibilidad respecto a este tema en concreto, pues de alguna forma, con la experiencia de la muerte de un ser cercano, he visto encarnados muchos conceptos que habia trabajado, el de la desintegración, el de la muerte, el tiempo, el de lo efímero y delicado que es el cuerpo.
El caso es que me he propuesto tomarme en serio este proyecto, retomar fotografías familiares y volver a plantear piezas sobre la desintegración de la imagen, que al fin y al cabo termina siendo un recuerdo. Lo último que me he planteado es llevar al vídeo esta idea, con la misma metodología que quiero hacer con las fotografías familiares, de manera que a partir de un registro audiovisual de mi propio rostro, realicé un proceso de desintegración y desaparición de la imagen original mediante la repetición, a modo de letanía, como una especie de transición o camino hacia la muerte.
Esta misma tarde he realizado un boceto videográfico en el que quería explorar el resultado de la grabación de un vídeo que es regrabado una y otra vez con cada copia, a través de un monitor.
Es una transición real, una destrucción real de un archivo, que presenta, y no que"representa", mi propia muerte digital. Me han resultado interesantes los caprichos sonoros y formales de la desintegración:
Las líneas de mi rostro se van deformando, las proporciones se van alterando, voy adquiriendo un color azulado, las líneas de la pantalla analógica marcan mi cara, a penas se advierten mis ojos ya, me voy transformando en un plano monocromático con manchas que aparecen y desaparecen. El sonido ambiente también se va transformando, adquiriendo cada vez más una identidad musical, a modo de alguna pieza experimental, como una melodía que se volatiliza junto con las formas. Parece como un viaje a otra dimensión, me recuerda a la idea que dice que somos el producto de polvo de estrella, y en efecto, el archivo va adquiriendo gradualmente, un carácter estelar.
Tengo pensado llevar a cabo bien esta pieza, con una cámara mejor y con un trabajo más concienzudo de transiciones entre los planos que ayuden a la continuidad de la misma.
El proyecto se quedó como un bosquejo, pero de esos bosquejos a los que les tomas cariño porque de alguna forma la idea que la concibe te interesa de verdad, y porque de alguna forma ese boceto tiene una especie de fuerza atronadora para convertirse en algo más, en un proyecto mucho más complejo, extenso, ambicioso, autobiográfico e íntimo, pues como bien dice el artista Matthew Barney, "lo importante es tener la disciplina de seguir una idea hasta el final, de llevarla hasta el límite".
La cosa es que aquello se había quedado aquí, en mi estanteria, durante un año, pues en aquel entonces era mi último año de carrera y la transición y depresión postuniversitaria, que en mi caso conllevaba también la vuelta a casa, de Granada, donde había adquirido aquellas disciplinas artísticas, rodeada de compañeros y amigos de facultad con los que compartir ideas y en los que encontrar inspiraciones y aspiraciones, donde la oferta de concursos, certámenes y exposiciones te rodeaba, a volver a Fuerteventura, una isla menor de las Canarias, excluída de aquella actividad universitaria que me motivaba a proyectar, ha hecho que mi actividad creativa se haya quedado estancada.
Hace unas semanas sacudí el polvo a todos los apuntes del resultado de mis investigaciones durante la carrera, montañitas de notas, cuadernos y fotocopias que había podido recolectar en mis horas de biblioteca. Una vez releídos y reabsorvidos, decidí volver a aquel boceto de fotocopias.
Me pregunto si ha sido una necesidad o el remordimiento de escasa actividad artística, la que ha hecho que me atrajera poderosamente otra vez esta idea de la memoria, de la muerte, de la desintegración, del tiempo, de lo impreciso, de lo efímero y de lo familiar a la mente, y digo que no sé si ha sido por algún tipo de necesidad subconsciente, porque este mismo mes ha hecho un año de la muerte de un familiar cercano, que se fue en apenas 15 días después de diagnosticársele una enfermedad, y creo que es el impacto de la idea de que un dia te encuentras perfectamente y que de repente desapareces en apenas unos días, el que haya podido tener una especie de poder que activara de alguna forma mi sensibilidad respecto a este tema en concreto, pues de alguna forma, con la experiencia de la muerte de un ser cercano, he visto encarnados muchos conceptos que habia trabajado, el de la desintegración, el de la muerte, el tiempo, el de lo efímero y delicado que es el cuerpo.
El caso es que me he propuesto tomarme en serio este proyecto, retomar fotografías familiares y volver a plantear piezas sobre la desintegración de la imagen, que al fin y al cabo termina siendo un recuerdo. Lo último que me he planteado es llevar al vídeo esta idea, con la misma metodología que quiero hacer con las fotografías familiares, de manera que a partir de un registro audiovisual de mi propio rostro, realicé un proceso de desintegración y desaparición de la imagen original mediante la repetición, a modo de letanía, como una especie de transición o camino hacia la muerte.
Esta misma tarde he realizado un boceto videográfico en el que quería explorar el resultado de la grabación de un vídeo que es regrabado una y otra vez con cada copia, a través de un monitor.
Es una transición real, una destrucción real de un archivo, que presenta, y no que"representa", mi propia muerte digital. Me han resultado interesantes los caprichos sonoros y formales de la desintegración:
Las líneas de mi rostro se van deformando, las proporciones se van alterando, voy adquiriendo un color azulado, las líneas de la pantalla analógica marcan mi cara, a penas se advierten mis ojos ya, me voy transformando en un plano monocromático con manchas que aparecen y desaparecen. El sonido ambiente también se va transformando, adquiriendo cada vez más una identidad musical, a modo de alguna pieza experimental, como una melodía que se volatiliza junto con las formas. Parece como un viaje a otra dimensión, me recuerda a la idea que dice que somos el producto de polvo de estrella, y en efecto, el archivo va adquiriendo gradualmente, un carácter estelar.
Tengo pensado llevar a cabo bien esta pieza, con una cámara mejor y con un trabajo más concienzudo de transiciones entre los planos que ayuden a la continuidad de la misma.
lunes, 18 de enero de 2010
Publicación en la red de la exposición de alumnos de la facultad de BB.AA de Granada , 2008
Aunque esto sucedió hace ya dos largos años, recién terminado mis estudios en la facultad de bellas artes, me encontré hace poco una publicación en internet en la página "granadaenlaweb", donde se recoje el texto realizado para el catálogo de la muestra, celebrada en el Centro de Arte Damián Bayón de Santa Fe en la ciudad de Granada.
De una gran cantidad de obras presentadas por todos los alumnos de la facultad, se seleccionaron 18 trabajos bajo la supervisión de un jurado compuesto por diversas autoridades. La obra que nos fue seleccionada es una fotografía de gran formato (casi 2 metros en su lado mayor) que pertenece a una serie titulada "The house" realizada junto con otra compañera, Francesca Colucci. La obra se centra en conceptos como la relación del sujeto con el espacio, la idea de la ruina como huella y herida y de cómo la naturaleza recupera su territorio devorando aquellas construcciones abandonadas por el hombre. En cuanto a curiosidades decir que a parte de ser las realizadoras de la obra, también somos las protagonistas que aparecen en las imágenes, por lo que no sólo estamos vinculadas intelectualmente con la obra, sino que también lo estamos físicamente.
A continuación muestro el primer bloque del catálogo de la exposición, donde se relatan los objetivos y motivaciones de la misma, escrito por Francisco Javier Sánchez, y tras ello, una imagen del cartel de la muestra y también una imagen de la obra seleccionada.
1) EN QUÉ CONSISTE, CÓMO SE ORGANIZA Y CUÁLES SON SUS OBJETIVOS La Delegación de Cultura y Juventud de la Diputación de Granada establece, en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de Granada, una convocatoria anual para organizar una exposición colectiva en una de las salas de la Red de Municipios. Su objetivo es dar salida a los proyectos artísticos llevados a cabo dentro del régimen interno de cursos y calificaciones propio del ámbito académico a través de los circuitos públicos de exhibición no universitarios. Desde el punto de vista de los artistas debutantes, supone una toma de contacto con el marco expositivo estándar -el cubo blanco oficial- y una oportunidad de darse a conocer tanto en los círculos provinciales como nacionales, pues la exposición posee cierta difusión en las secciones culturales de los diarios y en la prensa especializada. En la selección, llevada a cabo por uno o varios técnicos de la Diputación de Granada, puede participar un crítico independiente que, posteriormente, se encargará de elegir el título y escribir el texto de presentación que acompañará la muestra. La selección de las obras se efectúa en virtud de criterios como la calidad y el interés, la coherencia y la relación con las prácticas contemporáneas; este sistema evaluativo es parecido al utilizado en los certámenes de artes plásticas actuales, y en realidad el resultado recuerda precisamente a esos lugares en los que hay muchos artistas jóvenes juntos y cuyo efecto más inmediato es un inevitable atomismo estético.
De una gran cantidad de obras presentadas por todos los alumnos de la facultad, se seleccionaron 18 trabajos bajo la supervisión de un jurado compuesto por diversas autoridades. La obra que nos fue seleccionada es una fotografía de gran formato (casi 2 metros en su lado mayor) que pertenece a una serie titulada "The house" realizada junto con otra compañera, Francesca Colucci. La obra se centra en conceptos como la relación del sujeto con el espacio, la idea de la ruina como huella y herida y de cómo la naturaleza recupera su territorio devorando aquellas construcciones abandonadas por el hombre. En cuanto a curiosidades decir que a parte de ser las realizadoras de la obra, también somos las protagonistas que aparecen en las imágenes, por lo que no sólo estamos vinculadas intelectualmente con la obra, sino que también lo estamos físicamente.
A continuación muestro el primer bloque del catálogo de la exposición, donde se relatan los objetivos y motivaciones de la misma, escrito por Francisco Javier Sánchez, y tras ello, una imagen del cartel de la muestra y también una imagen de la obra seleccionada.
1) EN QUÉ CONSISTE, CÓMO SE ORGANIZA Y CUÁLES SON SUS OBJETIVOS La Delegación de Cultura y Juventud de la Diputación de Granada establece, en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de Granada, una convocatoria anual para organizar una exposición colectiva en una de las salas de la Red de Municipios. Su objetivo es dar salida a los proyectos artísticos llevados a cabo dentro del régimen interno de cursos y calificaciones propio del ámbito académico a través de los circuitos públicos de exhibición no universitarios. Desde el punto de vista de los artistas debutantes, supone una toma de contacto con el marco expositivo estándar -el cubo blanco oficial- y una oportunidad de darse a conocer tanto en los círculos provinciales como nacionales, pues la exposición posee cierta difusión en las secciones culturales de los diarios y en la prensa especializada. En la selección, llevada a cabo por uno o varios técnicos de la Diputación de Granada, puede participar un crítico independiente que, posteriormente, se encargará de elegir el título y escribir el texto de presentación que acompañará la muestra. La selección de las obras se efectúa en virtud de criterios como la calidad y el interés, la coherencia y la relación con las prácticas contemporáneas; este sistema evaluativo es parecido al utilizado en los certámenes de artes plásticas actuales, y en realidad el resultado recuerda precisamente a esos lugares en los que hay muchos artistas jóvenes juntos y cuyo efecto más inmediato es un inevitable atomismo estético.
"EOS 7D + DIY dolly / 1st (snowy!) outdoor test"
Llevo unos días enclaustrada en mi "estudio-habitación" buceando por la red, buscando apuntes y más apuntes sobre cine y audiovisuales (tengo el mono de estudiar) y topándome durante esa búsqueda con piezas interesantes como ésta que les dejo por aquí.
Realmente es un vídeo-demostración de los resultados de una cámara réflex en modo vídeo y una Dolly casera (imagino que saben lo que es ésta última, pero por si acaso, es una especie de superficie plana con ruedas montada sobre unos raíles para deslizar la cámara de vídeo evitando así el efecto de movimiento y consiguiendo un recorrido visual perfectamente estático). Aunque el supuesto objetivo de este vídeo es demostrar el efectivo método, me gustaron mucho los planos y secuencias y la acertada banda sonora que los envuelve.
Por aquí dejo el enlace:
http://vimeo.com/8635818
Realmente es un vídeo-demostración de los resultados de una cámara réflex en modo vídeo y una Dolly casera (imagino que saben lo que es ésta última, pero por si acaso, es una especie de superficie plana con ruedas montada sobre unos raíles para deslizar la cámara de vídeo evitando así el efecto de movimiento y consiguiendo un recorrido visual perfectamente estático). Aunque el supuesto objetivo de este vídeo es demostrar el efectivo método, me gustaron mucho los planos y secuencias y la acertada banda sonora que los envuelve.
Por aquí dejo el enlace:
http://vimeo.com/8635818
"Jugar con los clichés para luego quebrarlos"
Hace tiempo que no vengo con una mujer artista. Esta semana en el conocido programa "Metrópolis", emitido en Televisión Española, se ha dedicado el capítulo a la videoartista alemana Corinna Schnit. Me pareció interesantísimo su trabajo, entre otras cosas, porque trata con conceptos que a mí particularmente me gusta trabajar y tener en cuenta a la hora de abordar un proyecto:
la idea de la ambiguedad, los efímeros límites de lo que es realidad y de lo que es ficción, jugar con la mirada del espectador, derrumbar clichés y ese punto de siniestralidad en las escenas.
Mejor que seguir explicando su obra, es más que recomendable dejar que sea la misma Corinna Schnit la que la explique a través de este maravilloso programa, (el único que me hacía encender la televisión, junto con "Redes", y que ya ni siquiera me hace falta teniendo la oportunidad de poder ver ambos programas online cuando me apetece).
Sin más les dejo el enlace al capítulo. Que lo disfruten.
http://www.rtve.es/television/20100111/corinna-schnitt/311340.shtml
Fotograma de "Living a Beautiful Live"
la idea de la ambiguedad, los efímeros límites de lo que es realidad y de lo que es ficción, jugar con la mirada del espectador, derrumbar clichés y ese punto de siniestralidad en las escenas.
Mejor que seguir explicando su obra, es más que recomendable dejar que sea la misma Corinna Schnit la que la explique a través de este maravilloso programa, (el único que me hacía encender la televisión, junto con "Redes", y que ya ni siquiera me hace falta teniendo la oportunidad de poder ver ambos programas online cuando me apetece).
Sin más les dejo el enlace al capítulo. Que lo disfruten.
http://www.rtve.es/television/20100111/corinna-schnitt/311340.shtml
Fotograma de "Living a Beautiful Live"
miércoles, 13 de enero de 2010
The Third & The Seventh
Impresionante corto realizado por el español Jorge Seva, alias "Alex Roman". El título es The Third & The Seventh, y aunque les parezca increíble, la obra está realizada enteramente con sofware 3D y además es el mismo autor el que ha producido toda la pieza, tanto las imágenes, como la iluminación, la música, etc.
El tema del corto, según ha dicho en una entrevista Jorge Seva, versa entorno a "la mirada del fotógrafo", una auténtica gozada para los sentidos, así que les recomiendo que dejen la luz bien atenuada o inexistente, ponganse unos buenos cascos, o si se tiene, un "Home Cinema", una pantalla lo más completa posible y lo más importante, tener tiempo y estar bien relajaditos para dejarse llevar por esta obra de arte sin precedentes.
http://www.vimeo.com/7809605
lunes, 11 de enero de 2010
Nenu
Domingo, una caravana y un puñado de amigos muy cerca del farito del pueblo costero de "El Cotillo".
Por la noche una vueltecita al faro y Neno (cariñosamente Nenu) junto a una pequeña fuente de luz.
"CLICK"
miércoles, 6 de enero de 2010
No es pijotería tecnológica
Ya es hora de cambiar las herramientas, por fin estoy a pocos días de contar con tecnología Apple para trabajar mejor y más rápido, y no, no estoy alardeando de pijotería tecnológica, no soy amante de la moda Apple, que si el Iphone, que si el Ipode..., pero cuando se trata de mi trabajo me gusta desembolsar en los mejores equipos para hacerlo con la mayor calidad y rapidez posible, y por eso me he decidido a "adoptarle" a Apple uno de sus nuevos Imac de 21,5" de 500 Gb, me parece mejor comprar éste al de 1TB, pues adquiriendo un disco duro externo de 1TB para almacenar el material de trabajo me parece más práctico, dejando así la memoria del equipo íntegra para trabajar con los programas, y 500Gb es más que suficiente para que vayan como la seda.
Una de las novedades es que los nuevos Imac vienen con los nuevos ratones táctiles "Magic mouse", una pena, ya que me he acostumbrado a la tableta gráfica y no hay quien me la quite ahora. Por lo demás pinta bastante bien, no sólo por el diseño del hardware, casi todo inhalámbrico (libre de "cablerío") sino también por la pantalla panorámica retroiluminada, (que espero que no de muchos problemas a la hora de calibrarlo porque por lo visto suelen venir con la pantalla sobreiluminada), ideal para trabajar la imagen (fotografía, vídeo y diseño).
Sólo espero no tener que pegarme horas para revelar archivos RAW porque el Pc vaya lentisísimo, renderizar por cada paso que haga en el montaje de un vídeo, ver películas con un monitor casi cuadrado que comprima la imagen o estar pidiéndole cada dos por tres a mi hermano que me sanee el ordenador.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)